Playa Ancha
martes, 29 de noviembre de 2011
lunes, 7 de noviembre de 2011
ARQUITECTURA DEL SIGLO XX Y CONTEMPORÁNEA.
Guía de Aprendizaje Artes Visuales.
ARQUITECTURA DEL SIGLO XX Y CONTEMPORÁNEA.
Nombre: Fecha:
La arquitectura durante el pasado S.XX tuvo un acelerado proceso de desarrollo que abarca numerosas tendencias estilísticas, y que por supuesto, se continúan en estos primeros años del tercer milenio...
Para tener una visión panorámica de este amplio espectro, revisaremos algunos de los arquitectos considerados fundamentales, así como los aspectos estéticos y funcionales de sus principales hitos arquitectónicos.
1ª MITAD DEL SIGLO XX
LE CORBUSIER: Seudónimo de Charles Edouard Jeanneret (La Chaux- de- Fonds 1887 / Roquebrune- Cap- Martin 1965), arquitecto, urbanista y teórico francés de origen suizo. En 1923 escribió el clásico libro "Hacia una Arquitectura".
La arquitectura moderna es definida por Le Corbusier como un "juego correcto y magnífico de formas en la luz".
Él renovó los conceptos arquitectónicos en función de la vida social y de la utilización de volúmenes simples, articulados con gran libertad. Por eso, los bloques de viviendas, verdaderas máquinas de vivir, tienen para este arquitecto el objetivo principal de cubrir las necesidades de la familia en la civilización industrial, de modo digno y satisfactorio.
Él renovó los conceptos arquitectónicos en función de la vida social y de la utilización de volúmenes simples, articulados con gran libertad. Por eso, los bloques de viviendas, verdaderas máquinas de vivir, tienen para este arquitecto el objetivo principal de cubrir las necesidades de la familia en la civilización industrial, de modo digno y satisfactorio.
Sus principales obras son: "Unidades de Habitación" (Marsella, Francia, 1947), la Iglesia de Ronchamp (Haute-Saone, 1950), los Ministerios de Chandigarh (India, 1950-1962).
La más famosa de sus construcciones es la Villa Savoye, en Poissy, Francia.
La más famosa de sus construcciones es la Villa Savoye, en Poissy, Francia.
Esta casa de verano, ubicada en una pradera desde la cual se domina el Valle del Río Sena, se agrupa bajo el concepto de "villas blancas" y su construcción data de 1929. Conocida popularmente como "las horas claras", por el color de su fachada y la luminosidad de su interior, la casa es una gran caja suspendida en pilotes, con una gran ventana horizontal que la recorre en toda su longitud y un jardín interior que irradia la luz solar hacia todo el interior de la casa.
La Villa Savoye es la perfecta y exacta aplicación de la teoría de los cinco puntos de una arquitectura moderna: pilotes, techo- jardín, planta libre, ventana corrida y fachada libre.
Esta casa fue dañada en la II Guerra Mundial, donde se la utilizó como almacén, luego de lo cual fue anunciada su demolición. La movilización internacional y la intervención de André Malraux, entonces ministro de Asuntos Culturales, consiguieron salvarla y la elevaron a la categoría de monumento histórico en 1965.
La Villa Savoye es la perfecta y exacta aplicación de la teoría de los cinco puntos de una arquitectura moderna: pilotes, techo- jardín, planta libre, ventana corrida y fachada libre.
Esta casa fue dañada en la II Guerra Mundial, donde se la utilizó como almacén, luego de lo cual fue anunciada su demolición. La movilización internacional y la intervención de André Malraux, entonces ministro de Asuntos Culturales, consiguieron salvarla y la elevaron a la categoría de monumento histórico en 1965.
LUDWIG MIES VAN DER ROHE: Arquitecto norteamericano de origen alemán (Aquisgrán 1886 / Chicago 1969).
Fue uno de los fundadores de la Escuela Bauhaus, donde se desempeñó como Director desde 1930 a 1933; como tal, y luego de que debió emigrar a los EE.UU, es considerado propulsor del estilo internacional.
Fue uno de los fundadores de la Escuela Bauhaus, donde se desempeñó como Director desde 1930 a 1933; como tal, y luego de que debió emigrar a los EE.UU, es considerado propulsor del estilo internacional.
Construcciones tales como el Pabellón Alemán en la Exposición Universal de Barcelona 1929 son un verdadero icono del racionalismo.
Esta obra de carácter efímero y realizada con unos cuantos elementos, es emblemática y paradigmática del movimiento moderno, en cuanto plantea con nitidez la construcción como criterio de producción artística.
Esta obra de carácter efímero y realizada con unos cuantos elementos, es emblemática y paradigmática del movimiento moderno, en cuanto plantea con nitidez la construcción como criterio de producción artística.
Su importancia se debe a tres factores: elementos (dos muros de mármol verde, otro de ónix, dos espejos de agua, cinco paramentos de cristal, dos techos planos, un zócalo, una escultura, una alfombra negra, una cortina roja, dos sillas y una banca fija), orden (composición horizontal plana, sin perspectiva, que de cerca se percibe como composición espacial) y propuesta arquitectónica (noción de condición efímera de la obra)
Pero sus enormes rascacielos son los que logran mayor alcance e influencia hasta nuestros días: en Norteamérica, Mies edificó inmuebles caracterizados por grandes paneles de cristal sobre armazón de acero, que siguen su Línea racionalista iniciada en la Bauhaus. El famoso Edificio Seagram, en New York, es el ejemplo más claro de sus vanguardistas propuestas.
Proyectado en 1951 para una fábrica de whisky y terminado de construir en 1958, es un rascacielos de 37 pisos de vidrio y bronce, una verdadera caja de cristal, refinada, futurista, esbelta, donde el oscuro colorido y los metales broncíneos aluden al producto de sus clientes, el alcohol de centeno.
El Seagram Building fue tan adelantado a su época, que sólo influiría en la arquitectura tres décadas después, a partir de los años '80.
Proyectado en 1951 para una fábrica de whisky y terminado de construir en 1958, es un rascacielos de 37 pisos de vidrio y bronce, una verdadera caja de cristal, refinada, futurista, esbelta, donde el oscuro colorido y los metales broncíneos aluden al producto de sus clientes, el alcohol de centeno.
El Seagram Building fue tan adelantado a su época, que sólo influiría en la arquitectura tres décadas después, a partir de los años '80.
FRANK LLOYD WRIGHT: Arquitecto norteamericano (Richland Center, Wisconsin, 1867/ Taliesin West, Phoenix, Arizona 1959).
Maestro de la corriente "orgánica" en la arquitectura moderna, ejerció una importante influencia a causa de su gran fuerza imaginativa. Su talento se desarrolló tanto en el diseño de casas particulares como en grandes edificios. Dentro del primer ámbito, destaca sobremanera la Casa en la Cascada (Pennsylvania, EE.UU), una casa de descanso encargada en 1935, que se emplaza sobre una cascada natural, pues, según el planteamiento del arquitecto, se "trata de vivir con la cascada y no sólo de mirarla".
Maestro de la corriente "orgánica" en la arquitectura moderna, ejerció una importante influencia a causa de su gran fuerza imaginativa. Su talento se desarrolló tanto en el diseño de casas particulares como en grandes edificios. Dentro del primer ámbito, destaca sobremanera la Casa en la Cascada (Pennsylvania, EE.UU), una casa de descanso encargada en 1935, que se emplaza sobre una cascada natural, pues, según el planteamiento del arquitecto, se "trata de vivir con la cascada y no sólo de mirarla".
La propuesta de Wright es fundir arquitectura y naturaleza, de unir espacios interiores y exteriores...y como la naturaleza no tiene lado (¿cuál es el frente de un árbol?) tampoco lo tienen sus construcciones: de ahí la necesidad de romper el volumen.
Así por ejemplo, la casa en la cascada consta de tres pisos, que son tres planos superpuestos pero con fuertes descalces entre sí. Además, desaparece aquello que más define formalmente un volumen, las aristas.
De hecho, más que un volumen, esta casa es un conjunto de planos con espesor.
En el segundo aspecto, los grandes edificios, su obra más famosa es el Museo Guggenheim de New York, cuya planificación data del año 1943 y el termino de su construcción el año 1956. Su diseño prosigue las ideas de organicidad, presentándose como una gran espiral ascendente iluminada por un techo de vidrio central. Los muros interiores son curvos y, como en ele ejemplo anterior, tampoco hay esquinas o aristas muy marcadas.
El color blanco de los muros hace que las obras se destaquen, y la disposición semi- abierta de las salas de exhibición permite tener una panorámica de todo el edificio y de parte de las exposiciones, desde cualquier punto del pasillo ascendente central.
De hecho, más que un volumen, esta casa es un conjunto de planos con espesor.
En el segundo aspecto, los grandes edificios, su obra más famosa es el Museo Guggenheim de New York, cuya planificación data del año 1943 y el termino de su construcción el año 1956. Su diseño prosigue las ideas de organicidad, presentándose como una gran espiral ascendente iluminada por un techo de vidrio central. Los muros interiores son curvos y, como en ele ejemplo anterior, tampoco hay esquinas o aristas muy marcadas.
El color blanco de los muros hace que las obras se destaquen, y la disposición semi- abierta de las salas de exhibición permite tener una panorámica de todo el edificio y de parte de las exposiciones, desde cualquier punto del pasillo ascendente central.
miércoles, 28 de septiembre de 2011
lunes, 15 de agosto de 2011
EL COMIC
http://roble.pntic.mec.es/msanto1/lengua/2comic.htm
El lenguaje del cómic
El cómicLa historieta gráfica o cómic consiste en la narración de una historia a través de una sucesión de ilustraciones que se completan con un texto escrito. También hay historietas mudas, sin texto.
El lenguaje del cómic
- El autor de un cómic organiza la historia que quiere contar distribuyéndola en una serie de espacios o recuadros llamados viñetas.
- El texto escrito suele ir encerrado en lo que conocemos como globo o bocadillo que sirve para integrar en la viñeta el discurso o pensamiento de los personajes y el texto del narrador. La forma de los bocadillos depende de la intencionalidad del contenido.
Características
a) La narración es rápida. Los acontecimientos se suceden con gran celeridad; las descripciones se hacen a través de la imagen.
b) Se reproduce el lenguaje coloquial con:
- Titubeos (¡ca... caramba!).
- Alargamientos de palabras (cuidadooo!).
- Frases interrumpidas (y, de pronto...).
- Frases cortas, exclamaciones, interrogaciones... (¡Tengo hambre!).
- Expresiones populares (¡Córcholis! ¡Hola, chato!).
- Reproducción de sonidos, ruidos, golpes... (¡Guau! ¡Boom! ¡Buaaa!).
- Sustitución de las palabras por signos (?, !!, *).
- Nombres humorísticos (Rompeplatos, Carpanta, Pantuflín).
- Imágenes (Es un lince).
- Comparaciones (Es fuerte como un león).
- Situaciones contradictorias (Toma guapo, aquí tengo una porra de recambio).
- Ironías (Con estos chicos irá usted lejos...).
- Hipérboles (De ahí no saldrán hasta que canten los melones).
- Equivocaciones (¡Suelta, "Toby", que no es un ladrón...!).
- Afirmaciones en son de burla (¡Le felicito, Pórrez! Esto es trabajar con tesón y esfuerzo).
jueves, 7 de julio de 2011
martes, 21 de junio de 2011
Bases interescolar ANDRES BELLO
UNIVERSIDAD ANDRÉS BELLO
I ORGANIZADORES
Este Interescolar es organizado por la Dirección de Interescolares y la Facultad de
Arquitectura, Arte y Diseño de la Universidad Andrés Bello.
II OBJETIVOS
Fomentar y promover la creación artística en los jóvenes del país, en su másAbrir espacios de recreación para los estudiantes secundarios. III PARTICIPANTES
Participan sólo Alumnos de Enseñanza Media de todo Chile.
*No podrán participar familiares directos (hijos/hermanos) de funcionarios activos de la Universidad Andrés Bello, Librería Antártica, El Mercurio y de la Sociedad de
Escritores de Chile (SECH).
IV INSCRIPCIONES
La recepción de trabajos estará abierta desde el
2011
01 de agosto al 07 de octubre de. Para participar debes realizar el proceso de inscripción en el sitio web http://interescolares.preunab.cl
Interescolares de tu Sede el o los trabajos con los que desees participar.
Los trabajos deberán incluir obligatoriamente al reverso o en un lugar visible:
Nombre completo del autor, Colegio, curso y ciudad.
Nº número de inscripción.
Título de la obra
Categoría
. Posteriormente deberás hacer llegar a la Dirección de Aquellos trabajos que no vengan con esta información al reverso quedaran fuera
del interescolar.
Ante cualquier duda favor contactarse:
SANTIAGO :
CONCEPCION : interescolarconcepcion@unab.cl (41) 2662031-2662021
VIÑA DEL MAR : interescolarvina@unab.cl (32) 284 52 34 - 2845232
interescolar@unab.cl (2) 6618564 – 6618566 Los trabajos que no cuenten con estos datos obligatorios serán eliminados del
certamen.
V MODALIDAD
La modalidad del Interescolar es individual
Máximo 3 trabajos por alumno
El tema a abordar es: “EL TRABAJO DE LOS MINEROS EN CHILE”.
Se podrá participar en tres categorías:
Pintura, Dibujo y Acuarela:
en cada uno de los temas de la categoría (pintura, dibujo y acuarela). Se entenderá
por “Pintura” una obra original en soporte de tela y bastidor con un tamaño o formato
de 55 x 77cm. En óleo, acrílico u otro medio pictórico, por "Dibujo” entiéndase obra
original sobre papel con predominio de lápices blanco negro y color, pastel y técnicas
análogas debidamente enmarcadas, por” Acuarela” entiéndase la técnica tradicional, la tempera o guache y otras técnicas análogas sobre papel apropiado.
Técnicas Gráficas, Experimentales y Collage:
hasta con tres obras en cada uno de los temas de la categoría. Se entenderá por
”Técnicas Graficas” las variantes del grabado: como la serigrafía, el grabado en
madera, en metal y otras superficies de impresión sobre papel, editada
pertinentemente con formato o tamaño variable, el tamaño máximo será de 55 x 77 cm
y deberá apoyarse en un bastidor. Entendemos por técnicas “Experimentales”: las
combinatorias graficas como plantillas, esténciles y técnicas mixtas, entiéndase por
“Collages” las técnicas de montaje de elementos fotográficos, (fotomontaje) y
digitales, así como elementos visuales gráficos o texturales de diversa proveniencia y
naturaleza teniendo claro el concepto temático propuesto.
TODOS los trabajos, en cualquiera de las categorías, deberá detallar al reverso el
número de inscripción arrojado al momento de la inscripción, autor, seudónimo, titulo
de la obra, técnica y nombre del establecimiento.
Medios Digitales y Nuevas Tecnologías:
con tres obras en cada uno de los temas de la categoria. Se entendera por “Medios
Digitales” un video nanometraje experimental de no mas de 2 minutos de duracion,
este video debe ser en los formatos AVI o MOV. Entendemos por “Nuevas
Tecnologias” la creación de maquetas de videojuegos que no pesen mas de 1mb. En
ambos casos los trabajos deben ser enviados en DVD con su respectivo nombre.
Cada concursante podra participar hasta VI JURADO
El honorable jurado del 2° Interescolar de Artes, estará compuesto por destacados
artistas nacionales y académicos de esta Casa de Estudios.
VIII PREMIOS
Este concurso premiará a los primeros lugares de cada una de las categorías con los
siguientes premios:
1° Lugar
Diploma al primer lugar
1 Netbook
: Galvano del Segundo Interescolar de Artes 2° Lugar
Diploma al segundo lugar
1 IPOD Nano de 8 GB o similar disponible en el mercado
: Galvano del Segundo Interescolar de Artes 3° Lugar
Diploma al tercer lugar
1 teléfono celular de última generación
: Galvano del Segundo Interescolar de Artes Menciones honrosas:
recibirán un diploma y un Ipod Shuffle.
Se entregarán 3 menciones honrosas por categoría las que Los profesores cuyos alumnos hayan obtenido los 3 primeros lugares recibirán un vale
por $30.000 canjeable por productos de Librería Antártica.
IX PREMIACIÓN
La ceremonia de Premiación se realizará en Santiago, en el Campus Casona de Las
Condes, Fernández Concha 700, Las Condes
, el 28 de octubre a las 17:30 horas. En esta oportunidad y una vez finalizada la ceremonia se inaugurará la exposición con
los mejores trabajos en las tres categorías.
X NORMAS GENERALES
Los trabajos no serán devueltos a los participantes ya que pasarán a formar parte de
la muestra itinerante de la Universidad.
El Comité Organizador resolverá sobre situaciones no previstas en el presente
reglamento, pudiendo arbitrar las medidas y utilizar los instrumentos que estime
necesarios según la naturaleza y/o materia del conflicto. El Comité Organizador
estimará y aplicará los mecanismos adecuados para resolver la situación.
La Universidad Andrés Bello se reserva el derecho de utilizar el material gráfico
obtenido en el desarrollo de sus Interescolares que, a todo efecto, se consideran
eventos de difusión pública.BASES
2° INTERESCOLAR DE ARTES
jueves, 19 de mayo de 2011
lunes, 16 de mayo de 2011
miércoles, 4 de mayo de 2011
lunes, 18 de abril de 2011
Las artes plásticas desde el impresionismo
Introducción
En el siglo XX se producirá la mayor revolución estética de la historia del arte que abandonará la imitación de la naturaleza para centrase en el lenguaje de las formas y los colores, sin intermediarios.
Al espectador se le exige una nueva actitud ante la obra de arte. Los estilos dejan de ser internacionales para ser característicos de un grupo de artistas. Los movimientos que vamos a ver son más una actitud ante el arte que una estética. Los artistas se prodigan entre escultura y pintura.
La revolución impresionista
El impresionismo hunde sus raíces en la escuela de Barbizón y los grandes paisajistas como Corot, Courbet, Millet y Boudin. A partir del impresionismo la concepción de la obra de arte es totalmente diferente a la que había surgido en el Renacimiento.
Los impresionistas tienen un nuevo concepto del artista. Salen de su estudio y pintan directamente de la realidad. La ejecución de un cuadro impresionista es muy rápida. El pintor vive de su arte, y que depende de los marchantes, los coleccionistas y las galerías.
El impresionismo es un movimiento exclusivamente pictórico. Implica una construcción visual y mental de la figura, lo que determina una actitud ante la obra activa, en lugar de pasiva. Aplican el color en pinceladas sueltas y colores puros, sin mezclarlos en la paleta. El dibujo desaparece en favor de las manchas de color que abocetan la figura. Sus temas principales son el paisaje y el cuerpo humano, pero su sello definitivo se encuentra en el tratamiento de la luz y el color.
Los impresionistas surgen como grupo en 1874, en la exposición del Salón de los Rechazados. El crítico francés Louis Leroy les llama despectivamente impresionistas, por el cuadro de Monet Impresión: sol naciente.
Su tema principal es el paisaje, del que hacen series sobre un mismo motivo capturando la luz de las diferentes horas del día. También pintan temas de la vida cotidiana, sobre todo el tiempo de ocio de la burguesía.
Los impresionistas
Edouart Manet (1832-1883) está considerado como el precursor del impresionismo, más que por su técnica por su actitud ante la obra de arte, siempre escandalosa. Merienda en la hierba, La Olimpia.
Camile Pissarro (1803-1903) fue el pintor que más se acercó a la naturaleza. El lavadero, La estación de Perge.
Claude Monet (1834-1906) es el pintor impresionista más reconocido. Impresión: sol naciente, las series de la catedral de Rouen, la estación de San Lázaro y de las Ninfeas.
Alfred Sisley (1839-1899) retrata la realidad sin efectismos. El canal, Nieve en Louveciennes, Campo de trigo.
Edgar Degás (1834-1917) era un buen dibujante, y en sus cuadros utiliza abundantemente el blanco y el gris. Sus temas favoritos son las bailarinas y los espectáculos nocturnos. Bailarinas preparándose para el ballet, Los jóvenes espartanos, Bañista arreglándose el pelo.
Pierre Auguste Renoir (1814-1919) es uno de los más puros impresionistas. El palco, Baile en el molino de la Galette, Mujer desnuda secándose los pies, La lavandera.
En España Joaquín Sorolla (1863-1923) es el pintor impresionista más representativo. Nadadores, Y aún dicen que el pescado es caro..., Cosiendo la vela.
En el siglo XX se producirá la mayor revolución estética de la historia del arte que abandonará la imitación de la naturaleza para centrase en el lenguaje de las formas y los colores, sin intermediarios.
Al espectador se le exige una nueva actitud ante la obra de arte. Los estilos dejan de ser internacionales para ser característicos de un grupo de artistas. Los movimientos que vamos a ver son más una actitud ante el arte que una estética. Los artistas se prodigan entre escultura y pintura.
La revolución impresionista
El impresionismo hunde sus raíces en la escuela de Barbizón y los grandes paisajistas como Corot, Courbet, Millet y Boudin. A partir del impresionismo la concepción de la obra de arte es totalmente diferente a la que había surgido en el Renacimiento.
Los impresionistas tienen un nuevo concepto del artista. Salen de su estudio y pintan directamente de la realidad. La ejecución de un cuadro impresionista es muy rápida. El pintor vive de su arte, y que depende de los marchantes, los coleccionistas y las galerías.
El impresionismo es un movimiento exclusivamente pictórico. Implica una construcción visual y mental de la figura, lo que determina una actitud ante la obra activa, en lugar de pasiva. Aplican el color en pinceladas sueltas y colores puros, sin mezclarlos en la paleta. El dibujo desaparece en favor de las manchas de color que abocetan la figura. Sus temas principales son el paisaje y el cuerpo humano, pero su sello definitivo se encuentra en el tratamiento de la luz y el color.
Los impresionistas surgen como grupo en 1874, en la exposición del Salón de los Rechazados. El crítico francés Louis Leroy les llama despectivamente impresionistas, por el cuadro de Monet Impresión: sol naciente.
Su tema principal es el paisaje, del que hacen series sobre un mismo motivo capturando la luz de las diferentes horas del día. También pintan temas de la vida cotidiana, sobre todo el tiempo de ocio de la burguesía.
Los impresionistas
Edouart Manet (1832-1883) está considerado como el precursor del impresionismo, más que por su técnica por su actitud ante la obra de arte, siempre escandalosa. Merienda en la hierba, La Olimpia.
Camile Pissarro (1803-1903) fue el pintor que más se acercó a la naturaleza. El lavadero, La estación de Perge.
Claude Monet (1834-1906) es el pintor impresionista más reconocido. Impresión: sol naciente, las series de la catedral de Rouen, la estación de San Lázaro y de las Ninfeas.
Alfred Sisley (1839-1899) retrata la realidad sin efectismos. El canal, Nieve en Louveciennes, Campo de trigo.
Edgar Degás (1834-1917) era un buen dibujante, y en sus cuadros utiliza abundantemente el blanco y el gris. Sus temas favoritos son las bailarinas y los espectáculos nocturnos. Bailarinas preparándose para el ballet, Los jóvenes espartanos, Bañista arreglándose el pelo.
Pierre Auguste Renoir (1814-1919) es uno de los más puros impresionistas. El palco, Baile en el molino de la Galette, Mujer desnuda secándose los pies, La lavandera.
En España Joaquín Sorolla (1863-1923) es el pintor impresionista más representativo. Nadadores, Y aún dicen que el pescado es caro..., Cosiendo la vela.
Actividades Economicas
Actividades económicas: Las actividades económicas pueden dividirse en tres tipos: primarias, secundarias y terciarias. Las primeras proveen de materias primas, como minerales y cereales. Las secundarias son aquellas que elaboran productos en base a dichas materias primas. Las terciarias, en cambio, son las actividades económicas que se derivan de
las anteriores, como trasporte, turismo y comercialización de productos y servicios.
Estadísticas demográficas y socioeconómicas
En la Quinta Región, la provincia de Valparaíso concentra el 56,8 % de la población regional, y en ella se encuentran las dos ciudades más pobladas y con mayor cantidad de fuentes de trabajo en la región. Por su parte, Petorca es la comuna con mayor superficie, pero ocupa el sexto lugar en lo que a número de habitantes se refiere.
Estadísticas demográficas y socioeconómicas
En la Quinta Región, la provincia de Valparaíso concentra el 56,8 % de la población regional, y en ella se encuentran las dos ciudades más pobladas y con mayor cantidad de fuentes de trabajo en la región. Por su parte, Petorca es la comuna con mayor superficie, pero ocupa el sexto lugar en lo que a número de habitantes se refiere.
En esta región, como en las regiones II, III, XII y RM; más del 90% de la población es urbana. Petorca, la provincia de menor densidad poblacional, es también la que presenta un mayor porcentaje de población rural con un 28,7. Así mismo la provincia de Valparaíso, presenta el menor porcentaje de población rural sólo un 1,7%. Por otro lado, las poblaciones de mujeres y de varones prácticamente se equiparan, pero hay una leve ventaja para las mujeres que son el 51,1% de la región. Llama la atención la densidad poblacional de la provincia de Valparaíso la cual es una de las más altas del país.
Estadísticas Vª Región
miércoles, 13 de abril de 2011
jueves, 31 de marzo de 2011
lunes, 28 de marzo de 2011
Surrealistas
Los artífices del surrealismo
Observamos dos vertientes. El surrealismo abstracto, donde artistas como Masson, Miró o Klee crean universos figurativos personales a partir del automatismo más puro. Y Ernst, Tanguy, Magritte o Dalí que se interesan más por la vía onírica, un surrealismo figurativo cuyas obras exhiben un realismo fotográfico, aunque totalmente alejadas de la pintura tradicional.
Ernst (1891-1979)
Llegó a ser uno de los principales exponentes del Surrealismo utilizando la técnica del frotagge. Consiste en frotar una mina de plomo o lápiz sobre un papel que se apoya en un objeto y se deja así su huella en dicho papel, con todas sus irregularidades. Las imágenes surgidas aparecerán cargadas de misteriosas evocaciones, de signos de catástrofe y desolación.
Ciudades, Europa después de la lluvia.
Tanguy (1900-1985)
Representa sueños desligados a toda referencia a la realidad. Los horizontes, la sensación de infinito, la presencia de objetos misteriosos y sin correspondencia con la realidad objetiva y las alusiones a signos sexuales caracterizan su obra consiguiendo provocar angustia y misterio. Unos transportes; Días de lentitud; Mamá, papá está herido.
Magritte (1898-1976)
Ofrece cierta similitud con Chirico, es uno de los surrealistas más claramente simbolistas.
Provoca el choque emotivo de color aplicado a formas realistas puestas en lugares y momentos inverosímiles. Realiza absurdas combinaciones de paisajes, arquitecturas, esculturas, ambientes externos e internos. En El tiempo detenido muestra el interior de una habitación en el que un tren sale llameante de una chimenea doméstica. La voz de los vientos es la premonición de una amenaza, un grupo de globos pesados que flotan y son símbolo de algo que puede aplastar.
Masson (1896-1987)
Analiza la estructura del objeto para convertirlo en una elucubración intelectual. Parece que el color, conjugado de modo personal y con una valoración casi abstracta es lo que más le importa. Su modo es más vital, sin la opresión angustiosa de la mayoría de los surrealistas. Dibujo automático, Desnudo, Ánfora.
Chagall (1887-1985)
Presenta hechos sacados de la realidad pero dentro de un ambiente ensoñador. Sus figuras vuelan sobre el paisaje. Yo y la aldea, evoca una serie de elementos reales de su tierra natal (casas, vacas...), pero la magia del sueño lo transmuta. La vaca acoge en su cabeza a una lechera ordeñando, la campesina puede andar con la cabeza en el suelo, etc.
Joan Miró (1893-1983)
"Me es difícil hablar de mi pintura, pues ella ha nacido siempre en un estado de alucinación, provocado por un shock cualquiera, objetivo o subjetivo y del cual soy enteramente irresponsable".
Es el máximo representante del surrealismo abstracto, aunque fue solamente una fase dentro de su producción.
Sus cuadros están llenos de poesía. Pinta con colores puros y tintas planas. La obra clave en su evolución es El carnaval del arlequín (1924).
Crea un mundo propio que se abre paso a la abstracción. Sus imágenes son simples, con pocos trazos, a la manera de los niños. Rechaza la perspectiva, el modelado, el claroscuro y el acabado minucioso. Traza signos abstractos, simples, que no tratan de expresar una idea, sino que desean bastarse a sí mismos y son extraídos de lo irracional.
Personajes de noche, El bello pájaro descifra lo desconocido a una pareja de enamorados, Naturaleza muerta con zapato viejo, Mujeres y pájaros en claro de luna.
Los años de la guerra civil española y mundial lo alejaron de la aventura surrealista. Una de las últimas obras fue el revestimiento cerámico del edificio de la UNESCO en París, Noche y día.
Salvador Dalí (1904-1989)
Dalí es más escandaloso y extravagante de todo el grupo. Sus cuadros presentan figuras imposibles fruto de su imaginación.
Le caracteriza la provocación y su método "paranoico-crítico". Su primera etapa surrealista es furiosa y ácida, las formas se alargan, se descomponen o resultan de apariencia equívoca. Utilizará alusiones al sexo y la paranoia. La sangre es más dulce que la miel, La persistencia de la memoria, El ángelus arquitectónico o Premonición de la Guerra Civil.
También son característicos sus relojes blandos, sus altas y destacadas figuras sobre un lejano horizonte y las vistas de Cadaqués.
Más adelante su estilo se hará más barroco en Leda atómica y en El Cristo de San Juan de la Cruz, donde el sentido de la composición y del espacio es más clásico, pero siempre inquietante.
Su pintura resulta excepcional en sus calidades plásticas por la corrección en el dibujo y por la presencia de la luz, transparente y limpia.
El Surrealismo se extenderá desde 1924 hasta el final de la Segunda Guerra Mundial.
Observamos dos vertientes. El surrealismo abstracto, donde artistas como Masson, Miró o Klee crean universos figurativos personales a partir del automatismo más puro. Y Ernst, Tanguy, Magritte o Dalí que se interesan más por la vía onírica, un surrealismo figurativo cuyas obras exhiben un realismo fotográfico, aunque totalmente alejadas de la pintura tradicional.
Ernst (1891-1979)
Llegó a ser uno de los principales exponentes del Surrealismo utilizando la técnica del frotagge. Consiste en frotar una mina de plomo o lápiz sobre un papel que se apoya en un objeto y se deja así su huella en dicho papel, con todas sus irregularidades. Las imágenes surgidas aparecerán cargadas de misteriosas evocaciones, de signos de catástrofe y desolación.
Ciudades, Europa después de la lluvia.
Representa sueños desligados a toda referencia a la realidad. Los horizontes, la sensación de infinito, la presencia de objetos misteriosos y sin correspondencia con la realidad objetiva y las alusiones a signos sexuales caracterizan su obra consiguiendo provocar angustia y misterio. Unos transportes; Días de lentitud; Mamá, papá está herido.
Magritte (1898-1976)
Ofrece cierta similitud con Chirico, es uno de los surrealistas más claramente simbolistas.
Provoca el choque emotivo de color aplicado a formas realistas puestas en lugares y momentos inverosímiles. Realiza absurdas combinaciones de paisajes, arquitecturas, esculturas, ambientes externos e internos. En El tiempo detenido muestra el interior de una habitación en el que un tren sale llameante de una chimenea doméstica. La voz de los vientos es la premonición de una amenaza, un grupo de globos pesados que flotan y son símbolo de algo que puede aplastar.
Masson (1896-1987) Analiza la estructura del objeto para convertirlo en una elucubración intelectual. Parece que el color, conjugado de modo personal y con una valoración casi abstracta es lo que más le importa. Su modo es más vital, sin la opresión angustiosa de la mayoría de los surrealistas. Dibujo automático, Desnudo, Ánfora.
Chagall (1887-1985)
Presenta hechos sacados de la realidad pero dentro de un ambiente ensoñador. Sus figuras vuelan sobre el paisaje. Yo y la aldea, evoca una serie de elementos reales de su tierra natal (casas, vacas...), pero la magia del sueño lo transmuta. La vaca acoge en su cabeza a una lechera ordeñando, la campesina puede andar con la cabeza en el suelo, etc.
Joan Miró (1893-1983)
"Me es difícil hablar de mi pintura, pues ella ha nacido siempre en un estado de alucinación, provocado por un shock cualquiera, objetivo o subjetivo y del cual soy enteramente irresponsable".
Es el máximo representante del surrealismo abstracto, aunque fue solamente una fase dentro de su producción.
Sus cuadros están llenos de poesía. Pinta con colores puros y tintas planas. La obra clave en su evolución es El carnaval del arlequín (1924).
Crea un mundo propio que se abre paso a la abstracción. Sus imágenes son simples, con pocos trazos, a la manera de los niños. Rechaza la perspectiva, el modelado, el claroscuro y el acabado minucioso. Traza signos abstractos, simples, que no tratan de expresar una idea, sino que desean bastarse a sí mismos y son extraídos de lo irracional.
Personajes de noche, El bello pájaro descifra lo desconocido a una pareja de enamorados, Naturaleza muerta con zapato viejo, Mujeres y pájaros en claro de luna.
Los años de la guerra civil española y mundial lo alejaron de la aventura surrealista. Una de las últimas obras fue el revestimiento cerámico del edificio de la UNESCO en París, Noche y día.
Salvador Dalí (1904-1989)
Dalí es más escandaloso y extravagante de todo el grupo. Sus cuadros presentan figuras imposibles fruto de su imaginación.
Le caracteriza la provocación y su método "paranoico-crítico". Su primera etapa surrealista es furiosa y ácida, las formas se alargan, se descomponen o resultan de apariencia equívoca. Utilizará alusiones al sexo y la paranoia. La sangre es más dulce que la miel, La persistencia de la memoria, El ángelus arquitectónico o Premonición de la Guerra Civil.
También son característicos sus relojes blandos, sus altas y destacadas figuras sobre un lejano horizonte y las vistas de Cadaqués.
Más adelante su estilo se hará más barroco en Leda atómica y en El Cristo de San Juan de la Cruz, donde el sentido de la composición y del espacio es más clásico, pero siempre inquietante.
Su pintura resulta excepcional en sus calidades plásticas por la corrección en el dibujo y por la presencia de la luz, transparente y limpia.
El Surrealismo se extenderá desde 1924 hasta el final de la Segunda Guerra Mundial.
Pintura surrealista
Surrealismo. Pintura surrealista
El Surrealismo comienza en 1924 en París con la publicación del "Manifiesto Surrealista" de André Breton, quien estimaba que la situación histórica de posguerra exigía un arte nuevo que indagara en lo más profundo del ser humano para comprender al hombre en su totalidad.
Siendo conocedor de Freud pensó en la posibilidad que ofrecía el psicoanálisis como método de creación artística.
Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños. Para lo que utilizan recursos como: animación de lo inanimado, aislamiento de fragmentos anatómicos, elementos incongruentes, metamorfosis, máquinas fantásticas, relaciones entre desnudos y maquinaria, evocación del caos, representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías. El pensamiento oculto y prohibido será una fuente de inspiración, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica.
Se interesaron además por el arte de los pueblos primitivos, el arte de los niños y de los dementes. Preferirán los títulos largos, equívocos, misteriosos, lo que significa que importaba más el asunto que la propia realización.
Precedentes del Surrealismo
Los pintores se encontraron con precedentes en Los caprichos de Goya, en el Bosco y Valdés Leal, aunque los más inmediatos deben buscarse en el movimiento Dada y en Giorgio de Chirico, creador de la pintura metafísica.
Chirico crea un mundo enigmático que es reflejo de la desolación provocada por la guerra, que se percibe inquietante y desolador. En Héctor y Andrómeda, introduce maniquíes, únicos seres capaces de habitar sus plazas desiertas y calles que se sumergen en el infinito. La pintura de Chirico es el principal antecedente del surrealismo.
Los artífices del surrealismo
Observamos dos vertientes. El surrealismo abstracto, donde artistas como Masson, Miró o Klee crean universos figurativos personales a partir del automatismo más puro. Y Ernst, Tanguy, Magritte o Dalí que se interesan más por la vía onírica, un surrealismo figurativo cuyas obras exhiben un realismo fotográfico, aunque totalmente alejadas de la pintura tradicional.
El Surrealismo comienza en 1924 en París con la publicación del "Manifiesto Surrealista" de André Breton, quien estimaba que la situación histórica de posguerra exigía un arte nuevo que indagara en lo más profundo del ser humano para comprender al hombre en su totalidad.
Siendo conocedor de Freud pensó en la posibilidad que ofrecía el psicoanálisis como método de creación artística.
Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños. Para lo que utilizan recursos como: animación de lo inanimado, aislamiento de fragmentos anatómicos, elementos incongruentes, metamorfosis, máquinas fantásticas, relaciones entre desnudos y maquinaria, evocación del caos, representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías. El pensamiento oculto y prohibido será una fuente de inspiración, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica.
Se interesaron además por el arte de los pueblos primitivos, el arte de los niños y de los dementes. Preferirán los títulos largos, equívocos, misteriosos, lo que significa que importaba más el asunto que la propia realización.
Precedentes del Surrealismo
Los pintores se encontraron con precedentes en Los caprichos de Goya, en el Bosco y Valdés Leal, aunque los más inmediatos deben buscarse en el movimiento Dada y en Giorgio de Chirico, creador de la pintura metafísica.
Chirico crea un mundo enigmático que es reflejo de la desolación provocada por la guerra, que se percibe inquietante y desolador. En Héctor y Andrómeda, introduce maniquíes, únicos seres capaces de habitar sus plazas desiertas y calles que se sumergen en el infinito. La pintura de Chirico es el principal antecedente del surrealismo.
Los artífices del surrealismo
Observamos dos vertientes. El surrealismo abstracto, donde artistas como Masson, Miró o Klee crean universos figurativos personales a partir del automatismo más puro. Y Ernst, Tanguy, Magritte o Dalí que se interesan más por la vía onírica, un surrealismo figurativo cuyas obras exhiben un realismo fotográfico, aunque totalmente alejadas de la pintura tradicional.
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