Movimientos artisticos del siglo XX

Movimientos Artísticos del  siglo XX.

Abstraccionismo: También llamado arte no figurativo, por no representar ningún objeto real.

Este movimiento artístico rechaza la representación objetiva de la realidad, transformándola en formas pictóricas que no tienen ninguna relación aparente con ella. Se le da independencia a la línea, color y ritmo para que constituyan nuevas combinaciones entre sí. Es una pintura espontánea, en la que el artista da rienda suelta a la imaginación y emoción del momento, dejando plena libertad de interpretación al espectador. En el arte abstracto se dan tres tendencias básicas:

1. La reducción de las apariencias naturales a formas radicalmente simplificadas.

2. La construcción de objetos artísticos a partir de formas básicas no figurativas.

3. La libre expresión espontánea como en la Action Painting.

Art Nouveau: Estilo decorativo creado en oposición al historicismo académico predominante en el arte del siglo XIX. Su rasgo más característico es el uso de líneas largas, lentas, curvas, sinuosas y asimétricas basadas en formas vegetales, elementos de la vida orgánica e inorgánica, arabescos

abstractos y composiciones geometrizantes. Sus más típicas manifestaciones se produjeron en la arquitectura, las artes aplicadas e industriales, el arte mobiliar, la obra gráfica y la ilustración.

Se conoce en Francia con el nombre de Modern Style, en Alemania como Jugendstil, en Austria Sezessionstil, en Italia Stile Liberty y, en España como Modernismo. Se caracteriza por el factor individualista y artesano que depende de la personalidad de cada artista. La actitud fundamental de estos artistas es la de dar al arte una función social, llevarlo a las masas, empeñarse por doquier en hallar los medios para provocar una comunicación inmediata.

Miran y buscan en lo contemporáneo su nueva forma de expresión: nuevos materiales descubrimientos técnicos y producción a escala. Todo lo que es funcional tiende a convertirse en decorativo, así como todo motivo ornamental tiende también a asumir un valor práctico.

Arte Cinético: Corresponde al arte que incorpora movimiento real o aparente. Destinado a moverse y a provocar efectos ópticos. Se crean esculturas compuestas de piezas planas de metal

colgadas de alambres y que se mueven por una combinación de corrientes de aire y de su propia tensión estructural, denominadas móviles. En un sentido más amplio puede hacer referencia a otros fenómenos, como películas de cine, happenings y animaciones.

Arte Conceptual: Abarca varias formas de arte tales como fotografía, grabaciones sonoras y de video, instalaciones, acciones de arte y otras en las que la idea de una obra es considerada más importante que el producto ejecutado, si es que él mismo existe. La mayoría de los artistas conceptuales hacen sus producciones deliberadamente anodinas, tópicas o triviales. Desde un punto de vista visual despliegan ideas y proyectos en forma de bocetos y diseños que incitan a la acción o a la reflexión, con intención de dirigir la atención hacia la idea que expresan. Se considera que plantea interrogantes acerca de la naturaleza del arte, ampliando provocativamente sus límites; para el público en general y para ciertos críticos a menudo suele resultar pretencioso y vacío.

Arte Corporal: Con sus antecedentes en los tatuajes y en la decoración que algunas culturas primitivas o exóticas realizan sobre el cuerpo, los artistas corporales buscan la originalidad cambiando el soporte tradicional de la tela para pintar sobre la piel de cuerpos desnudos. Es una variedad del arte conceptual.

La pintura en este tipo de arte se realiza directamente sobre la piel de los cuerpos, especialmente sobre el propio cuerpo del artista como materia o espacio de experimentación estética.

Arte de Envolver: En una especie de repudio de los valores plásticos y una búsqueda de lo inédito, el artista sugiere lo misterioso al recubrir los modelos con materiales como nylon

semitraslúcido. Los objetos envueltos son variados y van desde un maniquí a un edificio o un elemento de la naturaleza.

Arte del Entorno (Environments) Arte Povera (En Italia): En él se unifican diversos aspectos del arte conceptual, minimal y la performance. Se encuentra dentro de las posibilidades creativas de arte de un carácter efímero. Son arreglos tridimensionales derivados del Pop, tales como escenarios de la vida diaria, con figuras humanas a tamaño real y toda la ambientación, ojalá hasta con sus olores. Estos artistas buscan un lenguaje emotivo con materiales que pueden ser considerados tecnológicamente pobres en un mundo tecnológicamente rico. Se utilizan materiales “sin valor”: cartón, arpillera, pintura y auténticos desperdicios callejeros. Hacen hincapié en el

empleo de materiales corrientes tales como la arena, las piedras, las astillas, etc. y en la naturaleza perecedera de las obras no aptas para ser coleccionadas.

Arte Minimal: Tendencia artística en la que sólo se utilizaban formas geométricas elementales, reduciendo el contenido y la forma de la obra de arte a un vocabulario de formas escaso y simple. Un principio importante es la repetición de estructuras geométricas, eliminando cualquier tipo de ilusión o metáfora. Su impersonalidad es considerada una reacción contra el emocionalismo del Expresionismo Abstracto. Los artistas de este estilo rechazan la textura, el tema, la atmósfera, etc. y reducen las formas y los colores a sus exponentes más simples.

Arte Optico: Es una variante del arte geométrico, se basa en las ilusiones ópticas que se producen en la retina sugiriendo movimiento y efectos cromáticos y formales dinámicos, de vértigo, vibración y brillo. El artista op utiliza instrumentos técnicos como escuadras, compás y tiralíneas, para realizar sus obras, acercándose con ello a los diseños geométricos de ingeniería y sugiriendo la tecnología del mundo de hoy. El op art quiere romper las barreras entre arte y tecnología. Los medios utilizados son la pintura, la escultura, el grabado y el dibujo entre otros. Su técnica es sobria, minuciosa e impersonal. Es un tipo de arte que depende del espectador y que ha tenido una gran influencia en el diseño de la moda y la decoración. Se utilizan materiales producidos por la industria moderna: plásticos, pinturas acrílicas luminosas; en las piezas cinéticas tridimensionales, iluminación eléctrica, motores y aparatos electrónicos. Existe una tendencia a establecer relaciones con diversas ramas científicas y una convergencia de intereses con el mundo del diseño industrial.

Arte Pop: Su motivación se encuentra en la imaginería del mundo del consumo y de la cultura popular, tales como historietas ilustradas, anuncios, envases e imágenes de televisión y del cine. También está presente un fuerte arraigo sentimental con lo cotidiano. R. Hamilton lo definía como

“popular, pasajero, perecedero, barato, producido en serie, joven, ingenioso, erótico, artero, encantador y un negocio a gran escala”.Usan técnicas pictóricas y comerciales muy precisas, casi

fotográficas, por ejemplo la serigrafía y el uso de aerógrafo. Se mezclan técnicas del pincel, collage fotográfico y/o técnicas mecánicas.

Bauhaus: Escuela alemana: sostiene que hay un solo arte indivisible, con varias ramas. Lucha por la integración entre arte, arquitectura y diseño. Intenta alcanzar una reconciliación entre la estética del diseño y las demandas de producción de las industrias de masas. La Bauhaus es una escuela moderna, sensible a las necesidades de la sociedad contemporánea, que se propone integrar el arte en la vida, superando las oposiciones de ciencia y estética, individualidad creadora y trabajo en equipo. Por ejemplo, un grupo de grandes artistas y personalidades enfrentan juntos el problema de un edificio en toda la complejidad de sus partes, desde el mobiliario, la decoración

hasta las estructuras murales, sin descuidar nada. El nuevo artista debe estar familiarizado con los materiales del mismo modo que un artesano, igualmente debe conocer sus posibilidades expresivas. Se establece una estrecha vinculación con la industria, y muchos productos de sus

talleres, sobre todo muebles, tejidos y aparatos de luz eléctrica, llegaron a realizarse en manufacturas a gran escala. Característico de la Bauhaus es la estricta economía de medios y el minucioso estudio de la naturaleza de los materiales. En arquitectura, se utilizó la construcción a base de un entramado de acero y de hormigón armado y vidrio, que reducía los planos de sustentación de una casa a los soportes y las traviesas y, al mismo tiempo, hacía visible esta técnica arquitectónica hacia el exterior: función y construcción debían formar una unidad.

Constructivismo: Movimiento artístico surgido en Rusia, basado en el cubismo y estéticamente relacionado con la ingeniería y la arquitectura. Sus composiciones son construida matemáticamente y sus motivos no son ni objetos reales ni fantasías libres del artista.

Estos artistas se inspiraban en la producción técnica desde un punto de vista estético. Abandonaron el ámbito puramente material y se dedicaron a todos los ámbitos artísticos: diseño de carteles, diseño de modas, tipografía, fotografía, arquitectura interior, actividades propagandísticas, ilustraciones de libros. En EE.UU. es llamado hard-edge painting es decir, una pintura de planos de color nítidamente balanceados. La nueva valoración del espacio y el componente espacio/tiempo

son fundamentales. Los constructivistas plantean que una escultura no debe ser una realidad por sí sola, sino que debe integrarse en el espacio, debe recibirlo por todas partes. Para ello utilizan materiales que permitan que el espacio penetre en la escultura, materiales industriales como alambre, madera, vidrio yeso y plástico para generar esculturas transparentes que permitan generar un puente entre la vida diaria y el arte. Al mismo tiempo rechazan la idea de que el arte debe servir a un propósito socialmente útil y plantean un arte estrictamente abstracto que reflejase la maquinaria y la tecnología moderna. Luego se orientó hacia fines más utilitarios, defendiendo el

concepto del artista ingeniero y la función de resolver necesidades sociales.

Cubismo: Se rompen las formas existentes para obtener así material para construir una forma nueva, primero corta facetas de los objetos y después las presenta desde varios lados, para dar una visión más completa del objeto retratado, en estructuras predominantemente geométricas y el color extremadamente apagado. Luego de esta experimentación formal llega a una verdadera y efectiva imagen conceptual de las cosas, representando lo que el artista sabe de las cosas, no lo que ve, es una reconstrucción intelectual. La superficie pintada no pretende dar la ilusión de profundidad, sino que es plana y variada. De la etapa analítica, en la cual la realidad es descompuesta en todos sus elementos constitutivos, se pasa a la sintética, que ofrece una imagen

de la realidad sumaria en la forma, lograda por medio de anchos planos plásticos, formas mucho más decorativas y un color más fuerte. Se caracteriza por una gama cromática muy reducida y apagada, los temas parecen insignificantes y se repiten incansablemente. En el cubismo sintético, el color se vuelve mucho más fuerte y las formas mucho más decorativas, introduciéndose en las pinturas elementos como letras recortadas y trozos de periódico. El uso de gran cantidad de gouache y la búsqueda de una variedad de texturas da lugar a la técnica del collage a partir

de papeles pegados. En la escultura se acentúa la simplificación de las masas, entendiéndose como un medio para un estudio más profundo de la realidad. Analiza las relaciones y las proporciones, no revestidas de forma sino animadas por un tono local convencional, ocre o siena, que hacen virar la sombra o la luz en un mundo sin atmósfera y sin movimiento. Los escultores cubistas utilizan materiales como: placas de cartón, placa de metal, materiales de la vida diaria como combinaciones de plástico, hierro, cobre, plata, bronce, terracota, piedras policromadas y yeso.

Dadaísmo: En este movimiento artístico de protesta, los artistasrecurren a la utilización de métodos incomprensibles que se apoyan en lo absurdo e irracional. Expresan rechazo a todos

los valores sociales y éticos del momento. Incluyen el azar y elementos de desecho para determinar las obras. Su principio es romper con todos los valores burgueses, no soportar los límites asignados al arte o a la moral, darse el derecho a la contradicción, a la injuria, a lo gratuito y a lo absurdo. Se objetiva lo inconsciente, lo subjetivo y lo irracional. Se inicia la idea de antiarte.

Entre sus formas de expresión se encuentran el montaje, el collage y aparecen los Ready-Made o assemblages que son objetos manufacturados privados de su sentido funcional, solos o combinados y elevados a obra de arte. Los objetos ya están hechos, la intervención del artista es meramente intelectual inaprehensible en términos materiales.

Expresionismo: Estos artistas buscan la expresión apasionada de los sentimientos que experimentan, una reacción exacerbada de los sentimientos; con este objetivo línea, forma y color están alterados, y van más allá de lo que es la realidad, eliminan los detalles y exageran lo que les parece de primordial importancia. Sus imágenes alcanzan la máxima intensidad, pueden llegar a la deformación e incluso a la caricatura. Están en contra del academicismo convencional y la descomposición de la forma (impresionistas) así como en contra del racionalismo en el arte. Palabras como instinto, intuición, depresión y angustia por el caos en el mundo, están relacionadas a estos artistas. En otros autores el énfasis esta puesto en la aplicación del color, la realidad, cualquiera que ella sea, está representada con absoluta libertad, sin preocupaciones naturalistas o teóricas. Utilizan formas de contornos duros y angulosos muchas veces en negro y delineadas por pinceladas rápidas. En escultura Lehmbruck usa frecuentemente un tratamiento rugoso de la materia, combinando y contrastando superficies mates con superficies pulidas y brillantes. En arquitectura se introduce lo que hoy día se conoce como “identidad de empresa”, en ella se incluyen el logotipo, papel de carta, lámparas y utensilios domésticos, hasta los edificios propiamente tales. En su sentido más amplio el término expresionismo se aplica a cualquier forma de arte en la que predomina el sentimiento subjetivo por encima de la observación objetiva, reflejándose el estado anímico del artista más que las imágenes que conforman nuestra experiencia visual.

Fauvismo: Sin ser una escuela en términos formales, reúne a un grupo de artistas que manifiestan una necesidad expresiva frente a la realidad del mundo. La fuerza de su expresión, los hizo conocidos como las “fieras”, traducción de “fauve”. El color y los símbolos no corresponden al reflejo de la realidad, poseen más bien un carácter emocional. Valorizan la expresividad del color puro, más intenso y vibrante por el juego lineal de los contornos. La forma no sigue cánones

clásicos de belleza. Su técnica se libera de todo academicismo. Usan generosamente la materia pictórica, los colores puros y las yuxtaposiciones estridentes, el lienzo debía tener su propia autonomía.

Futurismo: Se basan en los conceptos einstenianos de tiempo y espacio y quieren ir más allá de sus consecuencias. Su lema: todo se mueve, todo corre, todo se transforma continuamente.

Se aspira a pintar o esculpir el modelo no solamente en un momento dado e inmóvil, sino en las diferentes fases de su trayectoria, en algunos casos descomponiendo el movimiento. Igual lo hacen los dibujantes en las películas de dibujos animados. Su propósito fundamental, perfilado en varios manifiestos, era romper con el pasado y su cultura académica, y celebrar el dinamismo y el poder de la tecnología moderna. En la pintura cada artista resuelve de manera personal el problema futurista: a través del color, insertando caracteres de imprenta o aplicando la técnica del divisionismo o puntillismo. Lo que el escultor futurista crea es, en cierto modo, el punto ideal que une el infinito plástico exterior al infinito plástico interior. Sus objetos no terminan nunca, se entrecruzan con innumerables combinaciones y choques. La emoción del espectador ha de ocupar el centro de la obra escultórica. En arquitectura los futuristas se dedicaron principalmente a las construcciones útiles, a la técnica o a la comunicación, es decir a centrales eléctricas, estaciones de ferrocarril, campos de aviación y rascacielos, mostrando al mismo tiempo, un interés mayor por el caos urbano de las metrópolis.

Grupo Fluxus: Movimiento artístico consagrado a organizar actos provocadores y happenings.

El happening es un acontecimiento espectáculo planeado, aunque con cierto grado de espontaneidad, sin argumento. En él, el artista dirige una función combinando elementos del teatro y de las artes visuales. Rechaza los principios tradicionales de perfección artesanal y permanencia de las artes. Tiene relación con el assemblage y el environment, con el teatro y el Performance Art. Ejemplo de ellos se encuentra en las representaciones organizadas como actos de carácter político- social o propagandísticos. Es fundamental en el happening la integración del espectador como participante en la acción. Plantean el valor de lo efímero, de lo que pasa y no puede retenerse.

Se utilizan materiales propios del teatro, vestuario, escenografía, etc., así como también materiales más propios de las artes visuales.

Hiperrealismo: Movimiento artístico en que los temas son representados con una exactitud de detalle minuciosa e impersonal, agudeza óptica que supera la del objetivo fotográfico y llevada a cabo con virtuosismo técnico. No hay una visión subjetiva de la realidad, sus imágenes son frías.

También se ha denominado Superrealismo y Realismo Fotográfico o Fotorrealismo. Algunos de los representantes de este estilo trabajan a partir de fotografías, tratando con igual agudeza y precisión todo el

cuadro. En algunos casos se utiliza el gigantismo de los tamaños y la aplicación de la pintura plana, que no sólo no siente ningún interés por la calidad de la superficie, sino que aspira a producir la impresión de inmensas ampliaciones fotográficas.

Informalismo: Su nombre insinúa la oposición a la rigidez formal de los estilos geométricos más intelectuales. Pintura  abstracta y concreta al mismo tiempo, en la que el espectador se ve obligado a dar una expresión determinada a los diferentes elementos que aparecen en el cuadro mediante una labor intelectual propia. También es propio su carácter espontáneo y subjetivo. El término Informalismo es más o menos sinónimo de Tachismo y puede traducirse más como “sin forma” que como “informal”, también se ha utilizado la expresión “Arte Otro”. La pintura se presenta en algunas obras con un empaste seco, duro y muy material, introduciéndose en ella también productos naturales como tierra, paja o pelos.

Neoplasticismo: Tiende a la representación de los elementos de la plástica pura: planos, líneas y colores. Se crean imágenes estructuradas con extremo rigor intelectual, utilizando los tres colores primarios rojo, amarillo y azul, a los que se agregan los acromáticos blanco, negro y gris. Trabajan los colores en forma plana, sin texturas ni gradaciones. Es una pintura cerebral, árida, fría, controlada y geometrizante que pretende traducir el orden interno, racional y estructural que se deduce de la realidad exterior. Parte de la premisa de que el arte debe desnaturalizarse; liberarse de cualquier relación figurativa con los detalles aislados de los objetos naturales. Con ello escapará del individualismo de lo particular y podrá expresar un ideal de armonía universal. Las formas puras de la geometría y las relaciones matemáticas constantes sirven de base a las obras de estos artistas. En arquitectura alcanzan resultados notables, en el campo de un funcionalismo severo. También es llamado arte anorgánico o arte concreto, por concretizar las imágenes que siente y piensa el hombre; arte absoluto, por ser independiente, sin referencia a la naturaleza y por basarse en sus propias leyes.

Pintura de Acción o Action Painting: Se le llama también cinestésica o muscular. Es pintura basada en el automatismo. Su énfasis está puesto en el impulso directo de la espontaneidad creadora del gesto, lo único que cuenta es el acto de pintar, así el cuadro deja constancia de un desarrollo dramático de los sentimientos del artista como de la acción de pintar. Se valora la individualidad y la improvisación espontánea. Se trabaja generalmente sobre telas de gran tamaño en forma enérgica, en la que se dejan caer gotas, salpicaduras y chorreaduras de pintura sobre el lienzo, el que a menudo se encuentra extendido sobre el suelo en lugar de encontrarse en posición vertical. Se descarta la habilidad manual utilizando para pintar el cuerpo entero.

Surrealismo: Se busca dar a conocer visiones del subconsciente, se reemplaza la visión racional de las cosas por una interpretación casi mágica de la realidad basada en relaciones aparentemente irracionales, se crean disonancias con la realidad. El ambiente es inverosímil y se combinan aspectos reales con elementos de fantasía, creando así un clima de suspenso horripilante o de sueño. Esto es acentuado por la yuxtaposición de objetos sin relación, fuera del mundo cotidiano. Un horizonte bajo, muy lejano y símbolos del psicoanálisis aparecen frecuentemente en los cuadros de esta orientación, que también suelen usar una perspectiva

acentuada y una aguda iluminación irreal de las escenas. Se intenta llegar a un absoluto equilibrio en cuanto al color y a las proporciones espaciales. Su técnica es minuciosa pintando cada detalle en forma fotográfica. Se mezcla y usan diversos medios como: dibujo, pintura, fotografía, cine, escultura, grabado y técnicas como el collage, el ready-made, objetos encontrados, poema-objeto,

frottage, imagen múltiple, calco (transferencia de un papel a otro de acuarelas o dibujos a tinta mediante una presión). Buscando combinaciones técnicas que despojen a los objetos de su significado tradicional.

En escultura se desarrolla la práctica de la escultura en metal y continúa la estatuaria tradicional. La combinación aparentemente caótica de materiales heterogéneos se orienta hacia la expresión de los más profundos sentimientos del alma.

Tachismo: Las obras se crean sin una forma ni una idea predeterminadas,  sólo puras manchas de color. Se pretende ser completamente espontáneo e instintivo, excluyendo lo deliberado y la planificación formal. En algunos países se habla de Manchismo, en otros casos de Abstracción Lírica y Arte Informal. Su técnica es análoga a la de los impresionistas, por lo que se le ha llamado Impresionismo Abstracto. Aunque menos agresivas que las obras de los expresionistas abstractos

Norteamericanos, su técnica se caracteriza por brochazos y manchas de color.

Transvanguardia: Movimiento artístico con el que se inicia teóricamente la llamada “posmodernidad”. Busca redefinir el pasado desde la óptica del presente, sin olvidar que se vive en una sociedad de masas atravesada por la producción y reproducción de imágenes. Deforma el mundo aparente, acentúa lo subjetivo defendiendo un individualismo extremo y se expresan los sentimientos y emociones con espontaneidad. Abarca una gran diversidad de posibilidades expresivas, una riqueza de motivos. Es experimental, en el sentido que se constituye una encrucijada de estilos formados por elementos abstractos y figurativos. A menudo basan su arte en obras del pasado. La pintura se caracteriza por: gestualidad de la pincelada con una fuerte materia pictórica, tratamiento libre del color, recuperación de la técnica volviendo a la bidimensionalidad  de la pintura y el dibujo. Presenta una tendencia hacia lo figurativo.